Hva betyr motefotografering?
Motefotografering er en av de eldste sjangrene innen fotografering, hvis du ikke ser det så nært. Bildene av Pierre-Louise Pierson, tatt allerede i 1856, blir sett på som forløperne til motefotografering eller som de første motebildene. Den like vakre og eksentriske italieneren Comtesse de Castiglione, Virginia Oldoini, ble fotografert på forskjellige bilder i garderoben sin og ble dermed den første fotomodellen i historien.
Det franske magasinet "La Mode Practique" publiserte de første gjengitte motebildene allerede i 1892. På begynnelsen av 1900 -tallet dukket det opp motefotografier i "Harper's Bazaar" eller "Les Modes", og samtidig ble de første fotostudioene for motefotografering åpnet i Paris og Berlin. Stilen for motebilder endret seg i 1909. Baron Adolf de Meyer utviklet et nytt konsept for “Vogue” og skildret modellene i naturlige omgivelser og naturlige positurer. Både "Vogue" og "Harper's Bazaar" bidro til at motefotografering utviklet seg til en kunstform i seg selv.
Under andre verdenskrig flyttet fokuset for motefotografering fra Europa til USA. De interne fotografene til de store motemagasinene som Irving Penn, Regina Relang, Martin Munkacsi, Richard Avedon og Louise Dahl-Wolfe formet avgjørende utseendet på motefotografering for de neste tiårene. Motefotografering brøt løs fra sine stive posisjoner og utviklet et friere visuelt språk.
Mellom kunst og reklame
I dag har det blitt ekstremt vanskelig å skille motefotografering fra andre sjangere. Overgangene til fotografering av mennesker er flytende og. I dag er skjønnhets-, livsstils- og scenefotografering samt bilder fra sjangrene “portrett” og “erotisk” oppsummert under overskriften “Mote og glamour”.
Så motebilder er ikke lenger bare forbeholdt motefotografer, men også for forfattere av andre sjangere. Hobby eller profesjonelle fotografer tar også for seg det brede feltet motefotografering. Grovt sett skiller vi mellom to hovedretninger: Salgsfremmende fotografering av klær på modeller og kunstnerisk motivert, gratis arbeid. Men skildringen av smykker, sminke og annet tilbehør i forbindelse med modeller er også en del av motefotografering.
I boken "Archaeology of Elegance - 20 Years of Fashion Photography" kommer redaktørene Marion de Beaupré, Stéphane Beaumet og Ulf Poschardt til at motefotografering på slutten av 1900 -tallet er preget av fire hovedtrender: glamour, punk , høyteknologi / futurisme og kunst.
Kravene til profesjonell motefotografering har økt enormt de siste årene. Fordi reklame- og markedsføringsstrategene gjør alt de kan for å forme våre ideer om skjønnhet, stil og trender. Dette øker automatisk kravene som stilles til fotografen. Fordi vanlige moteskudd ikke lenger er nok til at en designertaske virkelig kan bli en trendsetter. Bildene må være nyskapende, stilige og ekstravagante for å skille seg ut fra flommen av bilder.
Virkelig gode motefotografer har utviklet sin egen stil som utvisker grensen mellom reklame og kunst. Ved å gjøre det, bruker de kunnskapen om at et konkret budskap også kan abstraheres og at abstraksjon, selv om det tilsynelatende er mindre, til syvende og sist formidler mer. Dette betyr at det ikke nødvendigvis er mulig å gjenkjenne hvilken artikkel som blir annonsert med bildet, det viktige er transporten av livsstilen, følelsen av velvære og nytelse som skal oppstå når man bruker denne måten, og at følelser og autentisitet blir formidlet.
Annonsering kontra kunst
I kommersiell motefotografering, slik vi kjenner det hovedsakelig fra kataloger og nettsteder til varehus og postordreselskaper, er fokuset på bildene faktisk på klærne. Du kan se fargene og teksturen på materialet, så vel som klippet og funksjonen til plaggene. Kunstneriske tilnærminger eller portretter finnes ikke her. Modellen fungerer som en utstillingsdukke. Du ser modellene i de samme posene hele veien. Det er også detaljer om klærne, for eksempel knapper, glidelåser eller spesielt sofistikerte applikasjoner.
Men også her går trenden mot å integrere modellen med klærne i et emne som skal få klærne til å se ut til å være av høyere kvalitet eller vise en livsstil som skal motivere kunden til å kjøpe klærne. Fordi markedet er stort og du vil skille deg ut fra konkurrentene. Så ikke bare en bluse eller bukser er avbildet, men modellen er utstyrt med alt tilbehør og vist i en setting som appellerer til betrakteren følelsesmessig og vekker lyst. Dette kan være i studio eller utendørs.
I kontrast er det reklamebilder av dyre etiketter, slik du ser dem i blader. Ofte kjenner du ikke ved første øyekast hvilket produkt som blir annonsert her, selv om du leser merkenavnet, fordi de fleste designere selger alt under samme navn - fra sko til klær og smykker til parfyme. Og det er det det handler om her også, ikke om genseren, men om en holdning til livet som disse bildene formidler.
Det er derfor det ikke er noen regler for denne typen motefoto når det gjelder typen bilder som er tatt. Fotografer, modeller, stylister og makeupartister setter opp et totalt kunstverk på delvis forseggjort design. Hva som kommer ut av det kan variere ekstremt. Alt er mulig, fra klesdetaljer på en beskåret modell til det fullt illustrerte settet med statister. Eller produktet blir annonsert alene med en velkjent og uttrykksfull modell. Deretter krysses grensen til portrettfotografering, hvorved det er en forskjell: Det er ikke modellen eller personligheten til modellen som er i forgrunnen, men produktet. Spesielt når det gjelder undertøy og badetøy, er grensen for erotisk fotografering en stramt gåtur. Negligeer, strømper og høyhælte sko kan lett gjøre grensene uskarpe.
Fotografen må jobbe veldig nøye og bevisst for å sikre at budskapet i bildet ligger på, om enn sparsomt, klær og ikke på modellens kropp. Avgrensningen fra fetisjfotografering er enda vanskeligere her fordi de fleste klesplaggene har en seksuell betydning.
Så når du tar bilder, bør du aldri miste synet på at dette handler om motefotografering og ikke om erotiske bilder. Hvis det er mulig, bør ikke de ferdige bildene vekke seksuelle lyster, men bare oppmuntre folk til å kjøpe moten som vises.
